Au début des années septante, loin de la Country mainstream de Garth Books et de Dolly Parton une petite niche de singer/songwriters émerge dans le sud des Etats-unis. Connectés aux racines de la musique traditionnelle américaine mêlant la Country, le Blues et le Folk, ils sont très généralement identifiables à l’Outlaw Country, ramification portée entre autre par Johnny Cash. Mais les influences qui traversent cette marge crasse et chevelue dont les pieds sont solidement ancrés dans la bouse du sol poisseux des paysans du sud, part d’ombre des productions lisses et des looks apprêtées des stars de Nashville, ne sont pas réductibles, ni reconnaissables à ce seul mouvement. Le Swamp Rock (mouvement mêlant le Funk, le Blues, la Soul et la Country) de Tony Joe White, le Southern Rock, comme la «Blue Eyed Soul» (ou dite autrement la Soul des blancs) s’ancrent plus spécifiquement dans cette musique. Sans renfort de narration indigeste et avec une très belle photographie «Hearthworn Highways» saisit l’émergence et trace ou retrace plus qu’un mouvement, une période, les années septante, et un lieu, le sud des Etats-Unis, déterminants pour les productions qui en résulteront. De Los Angeles démarre un road movie qui conduira le réalisateur James Szalapski jusqu’à Austin, et du Texas jusqu’à Nashville, Tennessee. Sur la route de ses images captées durant plusieurs semaines de l’hiver 1975, Szalapski rencontre Guy Clarke, Steve Earle, Townes Van Zandt et d’autres. Townes Van Zandt, anti-héros fan de Lightnin’ Hopkins, vivant dans une ferme sans plomberie, ni électricité, qui jouait en toute humilité devant 50 personnes, et qui une fois le succès à sa porte haussa simplement les épaules, ne changeant rien à ses occupations favorites: la guitare et le Whisky. Cheveux longs, sales, destins parfois misérables, hippies paysans plus adeptes du Bourbon que du Lsd constituaient l’univers de ces musiciens exceptionnels dont l’écho a peu franchi les frontières de la reconnaissance locale ou au mieux nationale. Chronique de musiciens inspirés, hybrides de Bob Dylan, Johnny Cash et Charles Bukowski.

Nite Jewel, c’est initialement le nom de scène et le projet musical de Ramona Gonzales, artiste multimédia californienne originaire de Los Angeles, aussi connue pour ses installations vidéos et sonores. A l’aide de tout un tas de petits outils et d’instruments tels que claviers et autres boîtes à rythmes, elle développe rapidement son propre son et enregistre ses morceaux sur un enregistreur portable 8 pistes. La qualité du médium choisi n’est pour Ramona Gonzales ni un moyen, ni une fin, mais plutôt le dispositif qui lui paraît le plus efficace pour repenser l’âge d’or de la Disco alternative qui inspire ses compositions. Premières expérimentations et scènes pour le Nite Jewel de la première heure avant de partager son univers avec Emily Jane, autre artiste multimédia. Le projet solo devient duo et Nite Jewel prend son véritable envol en tournant notamment en première partie de Deerhunter et de Glass Candy. Comme source d’inspiration, le duo cite aussi bien Debbie Deb, sensation Electro-pop de la fin des années huitante, le R&B des années nonante, l’avant-garde expérimentale du Californien Tom Recchion que la New Age Electro-acoustique de l’obscur duo anglais Hari Krishna Woo.

Avec un titre aussi interpellant par sa longueur et préoccupant par son contenu, l’expatrié australien le plus mélancolique de New-York ne pouvait laisser dans l’indifférence générale la sortie de son deuxième album. D’une longueur se défendant d’aucune prétention, l’histoire de ce titre est celle d’un obstacle. Vers d’une poésie si impossible à mettre en mélodie que Scott Matthew ne pouvait ignorer l’évidence ou la simple fatalité de devoir en faire le titre de son album à défaut de pouvoir les intégrer à l’un de ses morceaux. Si ce n’est encore fait, la découverte de ce songwriter Folk qui se déjoue des limites que lui imposent les accidents de la vie, notamment en troquant par nécessité la guitare pour le ukulélé à la suite d’une agression qui lui coûta la mobilité d’un de ses doigts, et qui permet à sa musique de se singulariser et de gagner en intérêt, mérite vraiment le détour.

Scott Matthew est né à Queensland en Australie. En 1997 il s’installe à Brooklyn (New-York), terreau fertile de musiciens et d’artistes qui lui permettent des rencontres et collaborations, notamment avec Spencer Corbin, ancien batteur de Morissey, avec lequel il sort un album en 2002 sous le pseudonyme d’Elva Snow. Il se fera connaître par sa participation à la réalisation des bandes originales de «Lithium Flower» et «Shortbus». En 2008 sort son premier album solo, condensé de ballades Folk qui rassemble des titres composés par le passé qu’il agrémente de nouveaux morceaux. Paru au printemps de cette année, son deuxième opus est traversé par une variété d’influences musicales élargie. Instruments à vent, une plus grande présence du ukulélé, ainsi que de choeurs se greffent aux accents Folk plus traditionnels qu’on pouvait attendre de lui. Produit à nouveau par Mike Skinner (mais pas le Mike Skinner des Streets), la plupart des guitares y sont de Spencer Corbin et de Kevin Devine, référence de l’Indie-Rock. La formation se compose aussi de la pianiste Marisol Limon Martinez, d’Eugene Lemcio à la basse et de Clara Kennedy au violoncelle. Ce second album, plus étoffé que le premier se présente comme un ensemble à la fois lumineux et spleenétique. La dimension aérienne des morceaux y contraste avec la pesanteur des mots qui disent un monde rugueux et sévère.

C’est dans les rayons de mon supermarché préféré que j’ai découvert le livre «Les tribulations d’une caissière». Au moment de payer, la caissière me jette un regard pénétrant et me confirme que j’ai choisi un excellent article.

Elle et toutes ses collègues ont dévoré le livre, l’ont parfois lu pendant les pauses. L’auteur, Anna Sam, 28 ans, diplômée universitaire en littérature, qui a passé 8 ans derrière une caisse pour payer ses études nous livre un témoignage et des anecdotes «vraiment vraies…» en passant de l’entretien d’embauche à des statistiques parlantes comme les 250 «Bonjour», 250 «AuRevoirBonneJournée», 500 «Merci», 200 «Avez-vous la carte fidélité» par jour ou les 800kg d’articles soulevés par heure. Puis elle scanne avec humour et simplicité les travers de ses clients. Entre le râleur, le dragueur ou le quidam pendu à son iPhone on peut se reconnaître ou non, mais dans tous les cas, on rit et surtout on ne pourra désormais plus traiter nos hôtesses de caisse comme des robots en uniforme.

«Les tribulations d’une caissière» de Anna Sam, Editions Stock, 2008

http://caissierenofutur.overblog.com

Au commencement il y a l’année 1990, New-York, Le Squalid Club dans East Houston et la quête d’une allumette.

Là où démarre une solide amitié entre Jennifer Charles (voix, instruments) et Oren Bloedow (guitariste et arrangeur multi-instrumentaliste) se dessine la fin inespérée de leurs tours de scène respectifs de reprises dans des clubs à moitié vide, véritable cour des miracles des ivrognes et âmes abandon-nées du downtown New-yorkais.

En 1995, ils forment Elysian Fields (ou en français les Champs Elysées), cet espace-temps de la mythologie grecque où séjournent, heureux et pour l’éternité, les justes, les héros et les poètes après leur mort. La formation Rock est classique (voix, batterie, cordes, cuivre, guitare) et le duo s’accompagne de James Genus qui joue également dans le Dave Douglas Sextet, et d’Ed Pastorini et de Ben Perowsky, tous deux membres des Spanish Fly et Barhopping. Si l’essence d’Elysian Fields réside dans le Jazz, un certain Rock marque les compositions du groupe. Un Rock dit noir qui se diffuse dans des ballades sombres, portées par le timbre chaud et acidulé de Jennifer Charles. «Bleed Your Cedar», leur premier opus sort sur le label Radioactive en 1996. Ce premier jet est salué par la critique et si le groupe suscite un enthousiasme quasi immédiat en Europe, l’accueil reste cependant tiède aux Etats-Unis. Steve Albini, figure du rock indépendant Us, produit le deuxième album du groupe. Un album qui ne sortira jamais. Il ne convient pas à Radioactive qui exige une réorientation à laquelle Elysian Fields ne se courbera pas. Le refus du compromis scelle la rupture avec la maison de production.

«Queen of Meadow» paraît en 2000 sur Jet Set Records. La diffusion est cette fois plus large aux Etats-Unis, mais reste toujours plus timide qu’en Europe, terre d’accueil et de reconnaissance des deux New-Yorkais. 2001 marque les débuts de nombreuses collaborations avec John Zorn, sur son label Tzadik. Oren Bloedow et Jennifer Charles participent dès lors à des albums hommage à Serge Gainsbourg ou encore à Marc Bolan, collaborent avec Sasha Argov ou Ben Perowsky, mais le duo y développe surtout le projet parallèle à Elysian Fields: La Mar Enfortuna…

Explorant les richesses du patrimoine musical séfarade (répertoire étendu allant de la musique arabo-andalouse, en pas-sant par la grecque et la turque), La Mar Enfortuna lui rend hommage en ne faisant jamais l’économie d’une réactualisation cohérente et harmonieuse par une rencon-tre avec le Rock, celui-là même de «Bleed Your Cedar», marqués par des basses profondes et des distorsions électriques, sans jamais trahir l’essence des compo-sitions originales. Parenthèse séfarade temporairement refermée, Elysian Fields retourne en studio et édite chez Pias en 2003 leur quatrième album «Dreams That Breathe Your Name» qui sera suivi en 2005 par «Bum Raps & Love Taps». L’univers musical du duo a toujours été sombre et les textes comme les inspirations poursuivent la même orientation. L’attrait et la fascination vont de la peinture de Goya à la plume d’Edgar Allan Poe pour ne citer que quelques une des références que l’on retrouve sur certains titres du groupe. En 2007, La Mar Enfortuna propose son deuxième album intitulé «Convivencia», désignant la cohabitation pacifique juive, islamique et catholique dans le sud de l’Espagne andalouse du 15e siècle. Chantées en judéo-espagnol, en hébreu ou en arabe, ces chansons sont revues par les arrangements inspirés d’Oren Blœdow ouvrant ainsi ce répertoire traditionnel non plus seulement au Rock, mais aussi au Jazz ou encore à la musique électronique. Retour de la face rock cette année avec la parution d’ «After Life», sixième opus, l’album de la constance. Fidèle à leur univers et ne reposant pas sur leurs acquis comme d’aucuns pourraient le penser, l’album est traversé par les genres. Celui du Jazz sur un titre comme «Turns On Me», de la Pop sur «Climbing My Dark hair» ou encore des sonorités argentines du Tango sur le morceau «Only for Tonight», sans jamais se perdre et en assurant l’identité forte qui marque depuis bientôt quinze ans leur parcours.

Laissez-vous emporter dans l’au-delà, vous n’y trouverez assurément aucun monstre ni autres Zombies, mais la grâce de créatures douces et bienveillantes diffusant un Rock profond et mélancolique, et si les bien-heureux sont bien disposés, peut-être une mélancolie séfarade.

• www.myspace.com/elysianfieldsnyc

C’est qu’ils n’y ont pas tout à fait renoncé les bougres. Leurs principes diffèrent néanmoins radicalement de ceux du système commercial classique, jugé inadapté et contre-productif. Et c’est même par une méthode efficace, qu’ils se sont donné les moyens d’augmenter la visibilté et la notoriété des artistes qu’ils signent.

Avec la mise en place des licences Creative Commons en 2002, les Netlabels trouvent une base juridique à leur activité. Celles-ci vont garantir à la fois la protection des droits de l’auteur d’une oeuvre artistique et la libre circulation du contenu culturel de cette oeuvre. Le système, astucieux, est basé sur plusieurs combinaisons possibles de quatre critères fondamentaux. L’auteur choisit celle qui lui convient et l’oeuvre est distribuée selon sa volonté. Les Netlabels dissocient donc la paternité d’une oeuvre (non-négociable) de sa distribution libre au public (contribution au patrimoine d’oeuvres accessibles dans le domaine public). Ainsi ils ne bradent pas la musique et ne volent pas les auteurs, qui peuvent conserver toute autorité commerciale sur leurs oeuvres s’ils le souhaitent.

Les Netlabels sont un pur produit du web qui a réussi à dépasser le problème du piratage et de la propriété intellectuelle. Il offre aux internautes une abondante base de données gratuites, en respectant strictement les droits des auteurs, pour le plus grand bonheur des partisans du libre accès à la culture. Mais qu’on ne s’y méprenne pas: les Netlabels ne sont pas seulement le repère d’auteurs anonymes aux sombres musiques expérimentales. Leur potentiel promotionnel a depuis belle lurette éveillé l’intérêt de grosses légumes du business musical. En 2004 déjà, le magasine Wired mettait en libre téléchargement et copie une compilation haute en couleur qui réunissait les Beastie Boys, Dan The Automator, Le Tigre, The Rapture et bien d’autres ( http://creativecommons.org/wired/ ). L’univers des Creative Commons est vaste, mais le principe reste principalement l’apanage de très petites structures à but non-lucratif, qui ne sont pas prêtes à faire de l’ombre aux dinosaures de la branche.

Quelques références…

• Netlabels.org
• Creativecommons.org
• Lastfm netlabels
• Camomille Music