Deuxième projection ce 29 octobre avec «Ca coule de source» de Yves Billon et Henri Lecomte. Documentaire consacré au grand Bluesman africain, Ali Farka Touré. Véritable ode à la nonchalance du son lo-fi africain, guitares saturées et sonos bricolées à faire pâlir d’envie n’importe quel amateur ou musicien de garage punk, «Ca coule de source» suit le premier Africain à avoir reçu un Grammy Awards.

De concerts à Bamako, aux cultes vaudous dédiés aux «Génies du fleuve», en passant par une jam impressionnante avec le groupe Touareg Tinariwen, c’est le seul com mentaire d’Ali Farka Touré qui sert de guide à ce document qui découvre l’atmosphère et l’énergie particulières de la région de la boucle du fleuve Niger, et une personnalité remarquable qui a su concilier une carrière de musicien international et de cultivateur dans son village Niafunké.

Né au Mali en 1939 d’une famille issue de l’éthnie paysanne Songhaï, son père militaire meurt au front durant la deuxième guerre mondiale. Non scolarisé et travaillant aux champs, Ali Farka Touré s’intéresse très tôt à certains instruments traditionnels comme le Gurkel, petite guitare traditionnelle, le Njarka, violon populaire, la flûte Peul et le luth Ngoni à quatre cordes. Il fonde son premier groupe en 1960, La Troupe 117 avec qui il parcourt le Mali avant d’entrer en 1970 dans l’orchestre de la radio natio nale du Mali qui sera dissout par le gouvernement en 1973. Démarre alors sa carrière solo qui le voit se produire dans toute l’Afrique de l’Ouest. Son premier album «Farka» paraît en 1976.

Jusqu’en 1997, date à laquelle il décide de se consacrer principalement au développement agricole de son village, il multipliera les albums, les tournées en Afrique, en Europe, aux Etats-Unis et au Japon, les collaborations avec le Bluesman Taj Mahal ouvrant ainsi son répertoire à la Fusion et à la World Music et aussi avec le guitariste américain Ry Cooder. Son investissement pour le développement de Niafunké, notamment par l’installation de pompes à eaux permettant l’irrigation des cultures du village, lui vaudra d’accéder au statut de maire. Parallèlement, il continue à produire de la musique et sortira encore 3 albums abordant les thèmes du travail de la terre, de l’éducation, de l’Apartheid et de la justice. De la guitare électrique au petit violon monocorde des paysans Songhaïs, l’univers musical d’Ali Farka Touré était riche et entier, tout autant que sa passion pour les terres de ses origines. Juste avant sa disparition en 2006, il terminait son dernier album solo, Savane, album posthume, véritable héritage de l’art d’Ali Farka Touré.

Barry Moore aka Luka Bloom n’est âgé que de 14 ans lorsqu’il entame sa première tournée. On est en 1969 et le jeune Irlandais écume les clubs de Folk anglais en première partie de son frère aîné Christy Moore. Il fonde à la même période son premier groupe, les Aes Triplex, entre deux enseignements au collège des Pères dominicains où il est scolarisé. Echappatoire sonore et guitare sèche en terre catholique… Près de quarante ans séparent aujourd’hui Luka Bloom de ces premiers pas musicaux. Cadet d’une grande fratrie de trois frères et de trois soeurs que la mère mélomane initie au piano et au chant, il a toujours baigné dans la musique tout en se forgeant très vite sa propre personnalité musicale. Il écrit des chansons depuis son plus jeune âge et aiguisera rapidement un vrai talent de guitariste. La passion prend rapidement le dessus au terme de l’adolescence lorsqu’il abandonne des études européennes et de Russe pour ne se consacrer qu’à ses
compositions.

«Treaty Stone» paraît en 1978. Ce premier album traite de questions liées à l’injustice et à l’environnement, des thèmes qui l’ont toujours préoccupé, et inclut des titres devenus des classiques de son répertoire. Il tournera ce premier opus dans toute l’Irlande jusque dans le mythique pub le Meeting Place à Dublin, haut lieu des sessions de Folk irlandais durant les années septante et quatre-vingt.

C’est à la suite d’une tendinite qui fera de sérieux dégâts sur la mobilité de sa main, que Barry Moore se voit alors contraint de revoir sa manière de jouer, et de changer son style en se servant désormais d’un plectre. 1979 marque donc un tournant important pour l’artiste, mais ce coup du sort contribuera au final à nourrir son inspiration, lui offrir une reconnaissance nationale (faut-il rappeler combien nul n’est rarement prophète en son pays), et à faire de lui le songwriter adoptif de la Hollande, des Etats-Unis et de l’Australie.

Première distance forcée avec ses acquis musicaux qui l’encouragera à en prendre une autre, choisie, avec l’Irlande qu’il quitte pour la Hollande où il réalisera deux albums «In Groningen» en 1980 et «No Heroes» en 1982. De retour en Irlande en 1983, il fonde et joue dans les «Red Square» formation Post-Punk parmi tant, ou trop d’autres à cette époque. Après trois ans de bons et loyaux services qui lui font réaliser qu’ils ne seront pas les prochains U2, le moment est venu pour Barry Moore de marquer un deuxième grand tournant dans sa carrière.

En 1987, une nouvelle destination lui tend les bras: les Etats-Unis. Nouveau départ, nouvelles rencontres, nouveau tout, alors pourquoi pas une nouvelle identité? En hommage au «My Name Is Luka» de Suzanne Vega et à Bloom du «Ulysse» de James Joyce, Barry Moore devient Luka Bloom, le temps du vol transatlantique qui le conduit à New-York. Décidé à créer sa propre audience, sans le soutien des grandes majors, il enchaîne les résidences dans différents clubs à Washington, New-York et tourne avec The Pogues, The Violent Femmes ou encore The Cowboy Junkies. Il réalise «Riverside» à New-york en 1990.

Retour en Irlande pour enregistrer «The Acoustic Motorbike» en 1991 et reprendre à la surprise générale et enthousiaste de la presse spécialisée et du public, le «I Need Love» de L.L. Cool J’s en 1992. Suivra une grande et longue tournée en Australie avant l’enregistrement de «Turf». En 1993 il est invité à la demande de Lou Reed à jouer à ses côtés, ainsi qu’avec David Byrne et Roseanne Cash pour l’anniversaire du célèbre club new-yorkais «The Bottom Light».

Les tournées internationales s’enchaînent, ponctuées par les compositions et parutions d’albums dont «Salty Heaven» en 1997, un album de reprise «Keeper Of The Flame» en 2000, l’édition d’une sélection de ses classiques parus entre 1975 et 1986, de nouveaux titres originaux sur l’opus «Between The Mountain And The Moon» en 2002, et un album live enregistré à Amsterdam en 2003. «Before Sleep Comes», 9 chansons pour insomniaques, paraît en 2004 avant «Tribe» en 2007.

2008 fut l’année de l’accomplissement et de la reconnaissance avec la sortie de son dernier album «Eleven songs» et celle, remarquée et saluée par le magazine Rolling Stones, de «The Man Is Alive», documentaire retraçant la discrète, mais très talentueuse carrière de ce songwriter. Un univers intimiste et chaleureux fait de délicates influences Country sur des titres comme «East Bound Train» et «I Love The World In Im» ou d’un Folk plus dépouillé sur «One Rose». Un univers qui colle parfaitement avec les premières couleurs de l’automne. Aussi confortable que la petite laine qu’on enfile pour observer le ballet des feuilles dans l’air rafraîchi d’octobre. Bon, on est d’accord, il n’y ni arbres ni feuilles mortes au Bourg, mais fermez les yeux, imaginez et surtout écoutez.

• www.myspace.com/lukabloom

Les désagréments physiques ne m’avaient pourtant pas empêchée de sacrifier toutes mes économies et de rentrer avec une paire de pantalons en skaï (qui m’avait valu les vociférations dépitées de mon père), quatre Ep collectors des Cure, l’album «Substance» de Joy Division, une vidéo de Bauhaus en live et (je vous laisse évaluer le bon goût) une bague en argent, articulée façon armure, qui encerclait tout mon majeur.
En y repensant, le skaï, associé à la veste en fausse fourrure, aux bottes compensées et au maquillage excessif n’avait pas de quoi calmer nos bons ou mauvais rapports.

Merde, j’ai bel et bien trente ans, puisque je reconnais aujourd’hui que ça ne devait pas être bien rassurant de laisser une mini Nina Hagen errer seule la nuit. D’ailleurs, cette réflexion me coûte peut-être un premier complexe sur le nombre d’années qui sont définitivement derrière moi…

Retour au premier mai. Plus moyen de me soigner avec un énième traitement d’antibiotiques. Le diagnostic est sans appel: je dois me séparer de mes amygdales. Oui, oui, l’opé ra tion qu’il est préférable de subir à 5 ou 6 ans, phase de développement de nous autres bipèdes dotés de conscience, où l’altération de la mémoire de la douleur est plus rapide et où le régime glace-sirop est probablement plus excitant qu’à 17 ans. Surtout quand on prend les allures d’un petit corbeau et que ça fait un petit bout de temps que le sirop a été remplacé par la bière, et la glace par quelques substances illicites.

Voilà, je suis immobilisée au 7e étage de l’hôpital de Sion pour les 5 jours à venir. Et bien oui, il y a ça aussi, j’ai grandi en Valais, d’où des références musicales déterminées et à «effet retard» puisque c’est bien connu, les productions alternatives sont toujours plus limitées et atteignent plus tardivement la grande périphérie des épicentres culturels. Et en 96, en Valais, pour celui qui rentrait avec plus de heurts dans la vie et dont les intérêts se démar quaient de ceux du plus grand nombre, il y avait le Punk, le Post-Punk, la New-Wave et le Métal.

Cela faisait plusieurs semaines que j’avais soigneusement mis à l’abri d’une perte ou d’une dégradation éventuelle, mon billet pour aller voir And Also The Trees, formé durant la vague Post-Punk du début des années quatre-vingt et programmé à l’Isc à Berne le 2 mai 1996.

And Also The Trees avec le romantisme sombre et la ruralité esthétiquement revendiquée de cette formation originaire du Worcestershire en Angleterre, collaient par faitement à la morosité de mes états d’âme d’alors, comme au Valais rural qui m’environnait.

Je me souviens qu’à cette époque les albums «Farewell To The Shade» (1989) et «The Millpond Years» (1988) tournaient en boucle dans le casque de mon discman, et que j’écoutais compulsivement l’interprétation solennelle et grave du leader/chanteur Simon Huw Jones de «My Lady d’Arbanville». Plongée en pleine dépression adolescente, je voyais dans la mélancolie de cette reprise une adéquation bien plus grande que celle du titre original de Cat Stevens que je trouvais alors bien niaise.

Remarqué par les Cure et soutenu à la production de leur premier album «And Also The Trees» (1984) par Lol Tolhurst, considéré par John Peel comme «trop anglais pour les Anglais», le groupe compte aujourd’hui plus de vingt ans de carrière, dix albums studios et des projets parallèles dont «November» (2006), album oscillant entre Ambient et Electro, projet solo de Simon Huw Jones et du batteur de The Young Gods, Bernard Trontin.

Au printemps 2009 paraît «When The Rains Come», projet à part dans la discographie du groupe. Relecture acoustique d’une sélection de treize titres parus entre 1984 et 2007 avec Ian Jenkins à la contrebasse, Justin Jones à la guitare, Simon Huw Jones à la voix et les interventions ponctuelles d’Emer Brizzolara à l’accordéon, au violoncelle, au dulcimer et au mélodica, cet opus donne une deuxième vie à leur répertoire. Il met en valeur un songwriting qui se rapproche parfois de celui de Leonard Cohen, de Scott Walker ou d’Arthur Lee. Quant aux textes, ils sont traversés par les influences d’Aldous Huxley, de Virginia Woolf, d’Hermann Hesse ou de F. Scott Fitzgerald, tandis qu’en toile de fond défile les paysages de F. M. William Turner. Cette date au Bourg le 14 octobre offrira l’occasion de découvrir ou de redécouvrir ce renouveau brillamment réalisé de And Also The Trees.

Après cette coïncidence malheureuse, je crois que j’ai moins écouté And Also The Trees. Probablement la déception et la curiosité d’explorer d’autres territoires musicaux. Mais je me souviendrai toujours de l’expression d’amitié que je recevais, le 3 mai 1996, lors de la visite dans ma chambre d’hôpital de Dorian, Aude, Fréd et Danielle, avec qui je devais assister au concert. Leur mine maladroitement déçue et leurs peu convaincants «Franchement, t’as rien raté. C’était pas bien.» préalablement concertés, en réponse à mon «Comment c’était?», premiers mots que je prononçais péniblement, la larme à l’oeil, depuis l’opé ration. A mes 17 ans! Aux vôtres aussi! C’est bien la première fois que je suis heureuse et impatiente de les faire revivre.

L’occasion de s’ouvrir aux mélancolies Electro-Folk de Joe Gallen, aux sonorités hybrides de Larytta, à la Techno Minimale de Cosili, aux expérimentations sonores de Consor, à la House atmosphérique de Julien Aubert et à celle entraînante des Starting Teeth, comme aux sondes vocales de Oy. Wow! ça fait beaucoup, beaucoup de bien et ça ne s’arrête pas là puisque ce n’est pas le son qui sera seul à l’honneur de ce Creaked Weekender. L’occasion pour Creaked Records de présenter et de remercier les designers, ar tistes et graphistes qui
ont participé à créer l’identité visuelle du label par une exposition qui se tiendra à la galerie Abstract du 9 au 19 octobre. Mais avant d’y être, un aperçu des découvertes et autres pépites à ne pas manquer.

5 ans et plus que toutes ses dents pour le label Creaked Records, menés adroitement par Léo Wannaz, défricheur d’une pop de qualité qui, si elle se veut accessible à tous, ne dénie jamais rien à l’innovation, ni à l’avant-garde.

Ouverture des festivités le vendredi 9 au Romandie avec l’anglais Joe Gallen qui, à quelques semaines de la sortie de son premier album «for triangles», présentera son univers musical pour la première fois en Suisse Romande. Influencé autant par un Bob Dylan ou un Nick Drake, que parle psychédelisme contemporain de Caribou et les experimentations éléctroniques de Four Tet, il se dégage des mélodies douces et une énergie plus offensive des rythmes chez ce natif de Manchester. Une pop aussi délicate que directe.

A suivre de près, comme le live de Joy Frempong aka Oy, ghanéenne d’origine, établie à Zürich, qui a multiplié les collaborations et les recherches musicales dans le Jazz, la musique électronique et le Hip Hop. Absolument convaincu et sensible à son talent pour l’improvisation, à ses surprenants arrangements vocaux (notamment sa capacité à réinventer l’utilisation des choeurs), Creaked Records lui a donné carte blanche pour la réalisation de son premier album solo.

Cette première soirée se poursuivra avec Starting Teeth, duo canadien composé de Childe Grangier et Nathan Jonson, qui combine une Micro-House à une Ambient injectée d’une fantaisie légère, esquivant plutôt subtilement la pesanteur monotone que peut parfois renfermer le genre quand il reste clos sur lui-même.

Cosili, considéré aujourd’hui comme l’un des plus intéressants producteurs de Techno Minimale achèvera cette première soirée.

Quelque part entre Autechre, Mogwai et Plastikman, Consor aka Samuel Vanay combine des influences et des expérimentations sonores à la base d’une musique électronique sombre, minimaliste et profonde. Il ouvrira la soirée du samedi 10 octobre au Bourg.

Son premier maxi «Paint Club» paru sur Creaked Records, Julien Aubert, qui a d’abord baigné dans le Rock Indie avant de rapidement tomber dans une deuxième marmite, celle de la musique électronique, livrera un live de Techno-House. Ambient down tempo, beats puissants, Techno minimaliste et mélodies addictives marquent ses productions et appelleront sans doute les premiers pas de danse de cette deuxième soirée.

Chaud, chaud, chaud les muscles pour poursuivre dans l’allégresse et les déhanchements fébriles cet anniversaire avec les Larytta, popistes lyriques et créateurs de beats accrocheurs qui depuis la sortie de leur premier album «Difficult Fun» en 2008, sont devenus une des for ma tions parmi les plus excitantes du panorama électronique helvétique actuel. Difficile à décrire tant les références sont vastes. Entre Soul, Techno, Hip Hop et R&B, le coeur ne balance pas, il adhère, ou s’il balance, c’est en rythme avec les beats électro, les voix hypnotiques, les claviers et les sons farfelus, tout droit sortis du laboratoire sonore du duo.

Cette deuxième soirée se terminera par la visite et le Dj set de l’ami anglais de la famille Creaked, Vincent Oliver.

Et après tout ça, vous reprendrez bien encore un peu de Creaked? Un détour par la galerie Abstract pour découvrir le travail de Horsform, Peroz, Koerner Union, Billy ben, Drawcaliber, Florian Javet et Emy Amstein qui mettent en image les sons du label, et qui ont donc contribué à le façonner comme à lui permettre de souffler aujourd’hui ses cinq bougies.

• www.myspace.com/larytta
• www.myspace.com/startingteeth
• www.joegalen.com
• www.myspace.com/joegalen
• www.consor.info
• www.myspace.com/consormusic
• www.myspace.com/julienaubert
• www.creakedrecords.com
• www.myspace.com/cosili
• www.myspace.com/oyrempong

En Peinture: si le Sujet nous pose encore problème, Kropf choisit plutôt de prendre la peinture comme une matière avant tout. Il nous renvoie à nos questions, qui semblent sans réponses par essence, et qui retombent alors, comme des effets retard de la pensée par rapport à la réalité du médium. Si la couleur peut être une voie dans la composition, Kropf choisi plutôt un effet qui donne à voir, si l’on évite, en tant que
spectateur, le duel réflexif immobile avec la toile, toutes les couleurs du spectre sans même qu’elles soient réellement appliquées sur la surface de la toile. En gros ici, bougez vous du Divan! Enfant gâté de la peinture, ou fils indigne. Il semblerait qu’il partage surtout son temps
entre hobby et obsession, à se projeter dans la nacre des coquilles d’huître.

Kropf ne fait rien comme tout le monde, la toile est couverte encore une fois. Monochrome peut-être, mais que faire d’autre! Malgré tout, usant d’une sorte d’infra mince irrévérencieux, la Peinture est ici une fois de plus «rallongée».
Par principe bien sûr!

Deux combos distincts, mais suffisamment de similitudes pour tracer un bout de route scénique côte à côte, le temps d’une mini tournée suisse durant tout le mois d’octobre. Genève en commun, mais surtout un Rock haut voltage, traversé par de nombreuses influences, distinguant et unissant pourtant dans une démarche similaire, What’s Wrong With Us? et The Proteins: une énergie effrénée pour un Rock made in fonds de cave.

Déjà deux albums pour What’s Wrong With Us? formé en 2002 après une collaboration avec les New-Yorkais de Nervous Cabaret. Il ne leur aura fallu que quelques mois entre la naissance et l’édition de leur premier 45 tours éponyme paru sur Domestique Records, pour se faire un nom, avec la complicité du musicien avant-gardiste et ingénieur du son amé ricain Bob Drake. Influences Jazz, Rock, Electronique et Cabaret pour ce quatuor pétulant qui cumule les collaborations et les groupes.

What’s Wrong With Us?, c’est l’hyperactif de la scène Rock Expérimental genevoise Julien Israelian à la batterie, aux percussions et à la bricole de samples maison, également membre de Poppins, Les Legroup, collaborateur des Dead Brothers et Dj dans le collectif Risotto Revox. C’est aussi l’impressionnant saxophone basse de Jonathan Delachaux, ce dernier étant également membre de Les Legroup, des Dead Brothers, mais aussi de la formation indienne Pnadit Prakash et américaine Nervous Cabaret.

C’est Stéphane Povitch Augsburger à la guitare et au chant, membre aussi des British Garden Party, du Cabaret d’Avant-Guerre, de Poppins et de Triolisme. Collaboratrice et membre des Dead Brothers, de Der Klang et du Nervous Cabaret c’est enfin et surtout les vocalises graves et souples, et l’écriture automatique de Zoé Cappon. Une écriture à la croisée du Surréalisme, de Lynch et du cabinet d’analyse, comme par exemple sur le titre «Daddy». Simple et direct: le père de Zoé tue quelqu’un face aux rires de sa mère qui assiste à la scène… What’s wrong with you Zoé?

Peu importe la réponse, l’essentiel étant que What’s Wrong With Us? continue, au grand bonheur de tous, de tourner le très abouti «Cat’s Claw» («griffe de chat» en anglais) paru en 2008 sur Urgence Disks, tout en pensant déjà à son prochain album.

Tension élevée et rythmes de croisière énervés pour The Proteins formé en 2006 autour du leader, chanteur et guitariste, Nico, entouré de Gab, deuxième chanteur au timbre aigu, de Ulf à la basse, et de David à la batterie. Dérapages non contrôlés et accélérations brutales. Avec The Proteins, c’est la menace du crash à chaque virage. Taillées dans le roc, les sonorités du groupe oscillent entre Punk euphorique, Groove primaire et oscillations psychédéliques. Avec «I Know You», premier opus remarqué et beaucoup de scène, le voyage ne fait que bien commencer et promet d’être long.

Cabaret Punk-Rock expérimental donc, pour taper du pied et expurger le poids des désagréments et soucis du quotidien, et plus généralement, de celui de la vie.